Ficha Técnica:
Direção: Sean Mathias
Escrito por: Martin Sherman
Estúdio: Channel four
Duração: 104 minutos.

Sinopse: Max (Clive Owen) é um jovem e bonito, frequentador da noite gay da Berlim dos anos 1930 e namorado de Rudy (Brian Webber II) dançarino no lugar. Uma noite, ele se envolve com um membro das S.A., as tropas de assalto nazistas. Infelizmente, naquela noite Ernst Röhm, líder das S.A. e seus aliados foram eliminados sob os auspícios de Adolf Hitler. Max decide fugir junto com Rudy, mas termina capturado e levado ao campo de concentração de Dachau. Um vez ali, Max decide carregar a estrela amarela dos judeus em lugar do triângulo rosa que Horst (Lothaire Bluteau) usa orgulhosamente. A questão posta para Max e Horst é: como sobreviver ao campo de concentração sem permitir que aquele lugar termine destruindo a humanidade de seus prisioneiros?

Porque ver esse filme: Filmado em 1997, foi um dos primeiros longa-metragens a registrar a perseguição nazista aos homossexuais. Apesar de pontual, mostra o papel da violência como uma ferramenta de terror de Estado pela S.S. e pela Gestapo. Além disso, o processo de enraizamento do nazismo e do horror na sociedade alemã da época pode ser observado a partir da apatia que os personagens mostram em relação as transformações políticas do período. O desenvolvimento do afeto pelos personagens, marcado pela proibição do toque entre os prisioneiros também representa algumas das cenas mais bonitas do filme.

Temas e questões: Um dos maiores méritos do filme é apresentar uma reflexão extrema sobre a acomodação que a tolerância pode gerar em sujeitos desviantes. Afinal de contas, tanto Max como Rudy parecem muito pouco interessados nas transformações da política alemã naquele momento, o que termina por ter consequências muito negativas para o futuro de ambos.

Comentário (Spoilers): Bent foi baseado na peça do mesmo nome, que estreou em West End no ano de 1979, com ninguém menos que sir Ian Mckellen como protagonista. Na época, gerou uma tremenda reação por ter colocado em debate a quase desconhecida perseguição dos homossexuais durante o regime nazista. Ela foi representada na Broadway em 1980, protagonizada por Richard Gere e David Dukes, respectivamente como Max e Rudy.

O começo do filme possui alguns problemas. A opção que o diretor adota para retratar a vivência homoerótica em Berlim nos anos 1930, marcada pela promiscuidade e decadência, é bem questionável. É certo que a homossexualidade se confundia com a boemia durante boa parte dos primeiros quarenta anos do século XX e filmes como Christopher and his kind mostram esse universo amalgamado que era a noite berlinense pré-nazismo. Igualmente, o período de maior brilho e aceitação social de ideias progressistas, inclusive sobre a homossexualidade nos anos 1920 cedem espaço para pessimismo e crise sócio-econômica nos anos 1930. Contudo, a apresentação da maioria dos homossexuais do começo do filme como alienados, fúteis e ou promíscuos é incômoda. Esta impressão começa a ser desfeita com a personagem de Horst, que salva a vida de Max no trem para Dachau e usa o triângulo rosa com orgulho. Ele revela, inclusive, que foi preso por ter assinado uma petição para a libertação de Magnus Hirschfeld, um dos pioneiros dos direitos dos homossexuais, ativista pelos direitos civis de gays, lésbicas e trans e fundador do Instituto para o Estudo da Sexualidade, centro de estudos que visava desfazer preconceitos sobre o assunto, por meio do incentivo de pesquisas, atividades educativas, consultas médicas, tratamento endocrinológico para transexuais, etc. Vale ressaltar que em 1919 foi produzido um filme sobre o assunto, profundamente crítico ao código 175 do Código Criminal do Reich, que punia relações sexuais entre homens.

A segunda parte do filme, que retrata a vida em um campo de concentração e o conjunto de atividades sem sentido que visavam destruir a humanidade dos sujeitos considerados perigosos e problemáticos para o IIIº Reich é certamente a mais interessante e emocionante. Max suborna um dos guardas para que Horst trabalhe com ele carregando e organizando pilhas e pedras em diferentes lugares do campo de concentração. Uma vez juntos, os personagens têm a oportunidade de descobrir o verdadeiro significado de afeto, amor e sacrifício, e transformam o cotidiano numa luta constante para não enlouquecer e sobreviver resguardando a capacidade humana de amar.

Originalmente publicado no Núcleo UniSex, em 22 de Maio de 2015

Nesta interessante comédia, dirigida por um inspirado Ferzan Özpetek, encontramos uma situação diferente da usual saída do armário: quando Tommaso (Riccardo Scamarcio) retorna a sua cidade natal decidido a dizer à família que é gay e deseja ser escritor. Ali, procura o apoio do firme irmão mais velho, Antonio (Alessandro Preciosi), espécie de diretor geral da companhia de alimentos que a tradicional família Cantone administra há décadas. No jantar formal, em que um novo sócio ingressaria na direção da empresa, somos surpreendidos com uma confissão de Antonio: que era gay, tinha um relacionamento com um ex-empregado e que desejava apoio dos pais. Vicenzo (Ennio Fantaschini) termina sofrendo um infarto depois de uma violenta discussão com o filho, e implora a Tommaso que fique e assuma o lugar de Antonio na empresa. No armário afetivo e profissional, o mais novo dos Cantone termina sendo obrigado a viver exatamente da forma como não queria: submetido as expectativas dos país, longe do namorado, Marco (Carmine Recano) e pressionado de todos os lados para dirigir a fábrica.

Por algum tempo, acompanhamos o esforço de Tommaso em tentar dar conta do problema, sem dar (muita) pinta. Nisto é ajudado pela irmã, Elena (Bianca Nappi) a quem associou a direção da empresa, e pela avó (Ilaria Ochinni), a doce e sarcástica fundadora da empresa exasperada com a inabilidade de Vicenzo em lidar com um filho homossexual, com o autoritarismo da nora, Steffania (Lunetta Savino), e o alheamento da filha, Luciana (Elena Sofia Ricci).

Embora aparentemente patriarcal e centrada na vontade de Vicenzo, a família Cantone tem arranjos subterrâneos muito interessantes, que demonstram que modelos de comportamento e de conduta são muito mais aparentes do que compulsórios, numa espécie de soft-power. Doloroso, certamente, mas com possibilidades de readequamentos e de negociação. O próprio Tommaso é um exemplo disto: sem desejar o lugar do irmão e a carreira de administrador, o jovem vive em Roma com relativa liberdade para se relacionar com outros homens e cursar Letras, em lugar de Administração, sem que família saiba. Da mesma forma, a avó foi apaixonada na juventude por Nicola, o irmão de seu marido e avó dos rapazes. Este romance impossível não impediu que a familia florescesse e a fabrica se tornasse maior e mais rica – mesmo que o contato de ambos se restringisse ao toque de mãos durante o preparo da massa.

O filme facilmente encanta o telespectador. Não apenas pela comédia de algumas cenas, mas pela profunda humanidade dos personagens, mesmo quando demoram um pouco a demonstrá-la. Este é o caso de Luciana ou de Elena: mulheres desconfortáveis em seus papéis, limitadas por espectativas de pais e irmãos, terminam criando maneiras criativas de sair de uma posição subalterna, ou, ao menos, de negociar os termos de sua subalternidade.

Sem apontar para soluções fáceis, também é um filme que fala de sacrifícios – não apenas em prol da família ou da fábrica, mas até mesmo em prol daquilo que se deseja obter. O preço a ser pago muitas vezes é alto – Tommaso revela, no final do longa, que não deseja administrar a fábrica, que prefere ser escritor, muito embora silencie sobre o armário. Mas quase sempre vale a pena, mesmo quando vive nas lembranças de um passado mais dourado: seja para a nonna e seu amado Nicola, seja para Luciana e a fase da juventude passada em Londres ao lado do namorado cantor de rock, seja no caso de Antonio na eterna busca do amado Michele, a quem despediu por medo da descoberta. Ou na aceitação da carreira escolhida por Tommaso, elemento que parece sugerido nas últimas cenas do filme.

Originalmente publicado no Núcleo UniSex, em 17 de abril de 2014

Dirigido por Vincent Garencq. Quais os limites e arranjos possíveis entre a identidade sexual e do desejo de ser pai? Este é o tema central do longa Baby Love (2008), longa-metragem francês centrando na figura de Manu (Lambert Wilson), um bem sucedido pediatra que deseja ser pai a todo custo, mesmo que a revelia de seu parceiro de longa data, Philip (Pascal Elbé), que termina por romper a relação com Manu quando este anuncia que entrou com um pedido de papéis para a adoção.

Tratando a parentalidade como algo aberto e frágil diante da falta de leis que permitam o casamento, ou da presença de diretrizes que impedem a doação por homossexuais. É assim que Manu se vê impedido de adotar um filho, devido à descoberta súbita, pela assistente social, da sua homossexualidade; e que termina por procurar a solução pouco usual de uma barriga de aluguel a partir de anúncios em sites de casais de lésbicas.

Neste contexto, Manu conhece e desenvolve uma relação de amizade com Fina (Pilar Lopez de Ayala), uma imigrante argentina ilegal que precisa de um casamento para permanecer em solo francês e realizar o sonho de trabalhar numa grande empresa. Sem grandes surpresas, termina aceitando ter o filho de Manu em troca do casamento que lhe garantiria um visto permanente.

A partir daí, a trama desenvolve uma reflexão interessante sobre o amor, a vontade (e o talento!) de ser pai e coisas que aprendemos como sendo naturais e que no cotidiano são sujeitas a negociação. A grande lição do filme é apresentar a identidade gay não como uma escolha entre a paternidade e a sexualidade, mas como um campo de possibilidades inclusive da formação de famílias e do direito de ser pai.

Originalmente publicado no Núcleo UniSex, em 18 de Outubro de 2013